Quadriennali

Riconosciuta come l’avvenimento espositivo più incisivo in Italia nel periodo tra le due guerre, la II Quadriennale viene inaugurata da Mussolini il 4 febbraio del 1935.

La mostra riesce a offrire un vasto panorama dell’arte italiana, con circa 1800 opere di 700 artisti. Se la I Quadriennale aveva visto la predominanza di artisti della generazione dei cinquantenni e di esponenti dell’ambiente artistico sarfattiano, nella II Quadriennale sono i giovanissimi e i romani a fare la parte del leone con le personali di Mafai e Pirandello, l’affermazione di Cagli, Capogrossi, Cavalli e Ziveri, il buon esordio di Afro e Mirko.

Un caso particolare è la retrospettiva dedicata a Scipione. Quando viene inaugurata la mostra, l’artista era morto, appena trentenne, da nemmeno due anni. Il regolamento della Quadriennale non prevedeva omaggi postumi. Per Scipione, Oppo decide di fare un’eccezione. Una ventina le mostre personali. Grande consenso per quella di Severini, una vera e propria antologica con ben 36 opere, e di Marini, che vincono il primo premio per la pittura e la scultura. Particolarmente avversata dalla critica la mostra di de Chirico, che espone 45 opere degli ultimi due anni. Molto apprezzati in generale gli Italiani di Parigi, Severini, Tozzi, Campigli, Fini, Paresce. Anche il futurismo e l’astrattismo sono ben rappresentati. Quattro sale ai futuristi, dedicate prevalentemente all’aeropittura. Di grande impatto la personale di Prampolini e il polittico di Dottori, oggi alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna.

Gli allestimenti vengono affidati a Pietro Aschieri e all'appena ventisettenne Eugenio Montuori. Il bilancio della mostra è eccezionale per numero di visitatori, 350.000. Il successo porterà alla costituzione di un ente autonomo per l’organizzazione delle Quadriennali d’Arte.

In tono minore, la IV Quadriennale inaugura il 15 maggio del 1943. Le difficoltà finanziarie legate all’emergenza bellica hanno inevitabili ripercussioni sull’organizzazione della mostra, ritardata di alcuni mesi a causa della mancanza di nafta per gli impianti di riscaldamento, e costretta in spazi più stretti per esigenze logistiche connesse al conflitto. Nonostante la crisi sono ben 1300 le opere esposte in sole 46 sale.

La mostra è guidata da due linee artistiche: la prima vede insieme astrattisti e futuristi, la seconda quella dei pittori figurativi. Solo i futuristi affrontano il tema della guerra, assente come soggetto dalle opere dei figurativi (Ceracchini, Amato, Tosi, Gentilini, Guidi, Trombadori), che appaiono in linea con la tradizione classica (ritratti, nudi, paesaggi bucolici, interni familiari). Non sono disposte sale personali, fatta eccezione per la mostra di Enrico Prampolini all'interno delle sale dei futuristi italiani.

L’unica presentazione in catalogo è quella di Marinetti, che introduce gli aeropittori di guerra, cosmici, astrattisti e futuristi come Acquaviva, Carla Prina, Vladimiro Tulli, Mario Radice, Tato. Giacomo Manzù ottiene il primo premio per la scultura e Gianni Vagnetti quello per la pittura. Il progetto per la sistemazione architettonica degli ambienti è di Ernesto Puppo e Alessandro Mangione.

La VI Quadriennale, inaugurata il 18 dicembre 1951 nuovamente all’interno del Palazzo delle Esposizioni, consolida ulteriormente la prassi di introdurre mostre storiche all’interno del programma espositivo.

È l’inizio della gestione Bellonzi, segretario generale dell’Ente per un trentennio, e degli sforzi tesi a delineare il nuovo piano culturale della Quadriennale. L’approfondimento storico-critico è volto a ricostruire gli antefatti agli sviluppi più recenti dell’arte contemporanea e ha per esito anche l’avvio di una importante attività editoriale. Le mostre storiche non mancano di suscitare polemiche tra gli artisti e all’interno dei sindacati, per i quali il denaro pubblico dovrebbe essere destinato agli artisti viventi.

Tredici le mostre retrospettive, tra le quali spiccano quelle dedicate a Martini, Modigliani, Viani, Gemito e ai pittori italiani del secondo Ottocento. Gli espositori sono 800, in totale circa 2400 opere, in oltre 100 sale. Ragguardevole il numero di piccole mostre personali. Per la critica dell’epoca la mostra fatica a offrire una vera panoramica degli artisti italiani del momento. Lo sguardo sul passato sopravanza quello sul presente.

L’allestimento di Giacomo Maccagno, meno scenografico e più funzionale, comprende una serie di pannelli che permettono di moltiplicare la superficie espositiva. Viene ripristinato il sistema di assegnazione dei premi, stanziati però in questo caso da alcune importanti istituzioni: la Presidenza del Consiglio dei Ministri, il Parlamento, il Comune e la Provincia di Roma. I premi del Comune di Roma, da un milione ciascuno, vanno a Fausto Pirandello per la pittura e a Pericle Fazzini per la scultura.

Il confronto tra figurativi e non figurativi si infuoca nella VIII Quadriennale, che si apre il 27 dicembre 1959 con il numero record di 1200 partecipanti.

Due mesi prima dell’inaugurazione era stata annunciata una vera e propria 'secessione' da un gruppo di pittori dissidenti, per la maggior parte astrattisti, in segno di protesta contro l’eccessivo numero degli artisti invitati e, soprattutto, contro l’atteggiamento ostile di Bellonzi nei confronti dell’arte astratta. I secessionisti vengono attaccati da intellettuali e critici vicino al PCI, con l’accusa di voler mantenere una posizione di privilegio nel mercato dell'arte. Alla fine, quando la Quadriennale apre, gli artisti più significativi sono assenti. Decidono di non partecipare Vedova, Santomaso, Fontana, Reggiani, Consagra, Dorazio, Afro, Corpora, Scialoja, Turcato, Leoncillo, Franchina. Tra i pochi astrattisti Dova, Strazza, Bruno Conte, Mirko.

Nella Galleria centrale è allestita la mostra Sguardo alla giovane scuola romana dal 1930 al 1945, proseguimento delle mostre storiche presentate nelle due precedenti edizioni. Quattro retrospettive sono dedicate ad artisti recentemente scomparsi: Giacomo Balla, Osvaldo Licini, Enrico Prampolini, Luigi Spazzapan. I maggiori riconoscimenti vanno a Ennio Morlotti e a Corrado Levi. A Luigi Broggini e a Gianni Dova viene assegnato il Premio Parigi.

Si cerca una nuova formula per la X Quadriennale. Viene abolito il meccanismo di accettazione delle opere: alla mostra partecipano solo gli artisti invitati. Si decide di dare più spazio agli apparati didattici. Il clima del '68 porta all’eliminazione anche dei premi.

Nonostante i tentativi di modernizzazione della rassegna, serpeggia nel mondo dell’arte un atteggiamento critico nei suoi confronti. Si concretizzano alcune iniziative espositive contrapposte, come la mostra Prospettive 5 e una annunciata "anti-quadriennale". Ma la variante più evidente riguarda l’articolazione della mostra. Non più un unico appuntamento, ma un programma di cinque mostre dal 1972 al 1977.

La prima è dedicata alla figurazione. Aspetti dell’arte figurativa contemporanea - nuove ricerche di immagine, del 1972, è incentrata sulla pittura di realtà e avvicina artisti ormai storicizzati al contributo di artisti più giovani.

Si cerca una nuova formula per la X Quadriennale. Viene abolito il meccanismo di accettazione delle opere: alla mostra partecipano solo gli artisti invitati. Viene soppresso l’ufficio vendite. Si decide di dare più spazio agli apparati didattici. Il clima del '68 porta all’eliminazione anche dei premi.

Nonostante i tentativi di modernizzazione della rassegna, serpeggia nel mondo dell’arte un atteggiamento critico nei suoi confronti. Si concretizzano alcune iniziative espositive contrapposte, come la mostra Prospettive 5 e una annunciata "anti-quadriennale". Ma la variante più evidente riguarda l’articolazione della mostra. Non più un unico appuntamento, ma un programma di cinque mostre dal 1972 al 1977.

La terza mostra La ricerca estetica dal 1960 al 1970 a giudizio della critica riesce effettivamente a captare i fermenti del decennio appena trascorso: neodada, pop art, arte programmata, environment, happening, arte povera, comportamentismo. Il progetto di allestimento è di Costantino Dardi, con la collaborazione di Giancarlo Leoncilli e Ariella Zattera.

Nel 1970 è nominato presidente Francesco Franceschini, docente e deputato, coadiuvato nell’organizzazione da un Comitato consultivo diretto da Fortunato Bellonzi e formato da Giulio Carlo Argan, Palma Bucarelli, Marco Valsecchi, Filiberto Menna, Pier Luigi Nervi. Si cerca una nuova formula per la X Quadriennale. Viene abolito il meccanismo di accettazione delle opere: alla mostra partecipano solo gli artisti invitati. Viene soppresso l’ufficio vendite. Si decide di dare più spazio agli apparati didattici. Il clima del ‘68 porta all’eliminazione anche dei premi.

Nonostante i tentativi di modernizzazione della rassegna, serpeggia nel mondo dell’arte un atteggiamento critico nei suoi confronti. Si concretizzano alcune iniziative espositive contrapposte, come la mostra Prospettive 5 e una annunciata "anti-quadriennale". Ma la variante più evidente riguarda l’articolazione della mostra. Non più un unico appuntamento, ma un programma di cinque mostre dal 1972 al 1977.

La quinta mostra Artisti stranieri operanti in Italia, del 1977, chiude la X Quadriennale. È la prima volta che l’istituzione si apre agli artisti stranieri. La mostra presenta una panoramica di 150 artisti; tra i più noti Balthus, Matta, Moore, Sutherland.

Nel 1983 sono nominati presidente Giuseppe Rossini e segretario generale il critico d’arte Giuseppe Gatt. L’XI Quadriennale si inaugura il 16 giugno del 1986, ospitata dall’Ente EUR nel Palazzo dei Congressi, a causa dell’inagibilità del Palazzo delle Esposizioni per lavori di ristrutturazione. Questa mostra, a cura di Rossana Bossaglia, Mario Quesada e Pasqualina Spadini, fa seguito all'XI Quadriennale.

Le quattro esposizioni tenutesi tra il 1913 e il 1916 furono volute da un gruppo di artisti romani dissidenti. Parteciparono artisti stranieri, allora già noti, e italiani ancora esordienti. La Secessione Romana, con la sua storia, le sue presenze, i dibattiti accesi intorno al destino dell'arte italiana, appartiene alla nostra storia, perché sta all'origine delle vicende che poi, attraverso le Biennali Romane degli anni Venti, conducono direttamente alla nascita della Quadriennale.

Nel marzo 1992 viene varata la XII Quadriennale e nel luglio dello stesso anno si inaugura - dopo la mostra storica su Prampolini - Profili, esposizione dedicata alle opere di un numero ristretto di artisti viventi tra le personalità determinanti per gli sviluppi dell’arte in Italia tra il 1950 ed il 1990. Sono invitati trentatré artisti, selezionati da una commissione consultiva composta da Ugo Attardi, Renato Barilli, Achille Bonito Oliva, Rossana Bossaglia, Maurizio Calvesi, Antonio Del Guercio, Cesare Vivaldi. L’obiettivo è ambizioso: una mostra storico-critica che, attraverso poche personalità, presenti ciascuna con più opere, documenti ogni tendenza delle espressioni più originali e incisive dell’arte italiana dell’ultimo quarantennio.

La mostra Valori Plastici, dedicata al movimento raccolto intorno alla omonima rivista pubblicata a partire dal 1918, si articola in diverse sezioni: una storica sul panorama italiano in cui figurano opere di Boccioni, Sironi, Casorati, Depero, Ferrazzi; una che documenta i rapporti del movimento con l'Europa; una retrospettiva sui protagonisti e una sezione dedicata a materiale documentario, fotografie e lettere.

La mostra inaugura la rassegna della XIV Quadriennale che si articola in due Anteprime a Napoli e Torino dove espongono artisti che hanno iniziato la loro attività artistica dopo il 1990. La rassegna si conclude con la mostra a Roma che si compone di tre sezioni: una storica sulle precedenti Quadriennali del 1931 e del 1948, una contemporanea dal titolo Fuori Tema e una sezione dedicata ad artisti stranieri, Italian Feeling.

La XIV Quadriennale culmina in una mostra alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. La sede istituzionale, il Palazzo delle Esposizioni, non può accoglierla, perché chiuso per lavori di restauro. Fuori sede, ma anche volutamente fuori tema: gli artisti, cento in tutto, sono lasciati liberi di esprimere ciascuno il suo stile, il suo genere espressivo, il suo linguaggio, senza vincoli tematici. Ogni artista è presente con un'opera recente o inedita. Fuori anche da barriere di età: si va da Mimmo Rotella del '18 – premio alla carriera, ultimo importante riconoscimento prima della sua morte – a Maria Lai del '19, ai giovani Pietro Roccasalva del '70 e Francesco Vezzoli del '71, vincitori ex aequo del "Premio per la giovane arte". Sono rappresentati tutti i linguaggi espressivi: pittura (De Maria, Cingolani, Giovannoni), video (Favaretto, Migliora, Sighicelli), installazioni (Airò, Mocellin-Pellegrini), fotografia (Ontani, Pivi). Anche la scultura (Cerone). Accanto al nucleo principale dei cento artisti italiani, la sezione Italian Feeling apre una finestra sull’arte internazionale, con undici artisti stranieri molto affermati, legati al nostro paese da affinità culturali.

Se la XIV edizione della Quadriennale estendeva lo sguardo fino ai maestri degli anni '60-'70 ancora in attività, questa volta l'attenzione è circoscritta alle generazioni di artisti che hanno iniziato ad affermarsi in Italia negli ultimi venti anni. È un campo di osservazione comunque ampio e variegato, che ha suggerito di non forzare sotto un titolo generico gli autori invitati. 99 gli artisti presenti, giovani o mid-career, ciascuno dei quali partecipa con un opera recente, in molti casi realizzata per la mostra. La commissione inviti decide di dedicare un omaggio a Luciano Fabro, a un anno dalla sua scomparsa, esponendo nella Rotonda del Palazzo delle Esposizioni la scultura Autunno mai esposta prima in Italia.

La Quadriennale d'arte 2020, a cura di Sarah Cosulich e Stefano Collicelli Cagol, rinnova il suo formato e da rassegna sull'arte italiana diventa una vera e propria mostra curata. Con un preciso taglio critico, quarantatré artisti sono stati invitati a presentare nuove o poco battute linee di ricerca. Frutto di più di due anni di studio, incontri, visioni di portfoli, studio visit, ricognizioni di mostre e musei, indagini sull'archivio e la storia dell'Istituzione, la mostra propone un percorso intergenerazionale e multidisciplinare innovativo attraverso una rilettura dell'arte italiana dagli anni Sessanta a oggi volta a rendere più complesse le narrazioni canoniche su quanto prodotto negli ultimi sessant'anni.

Artisti che si sono confrontati con diversi campi disciplinari quali danza, musica, teatro, film, moda, architettura e design sono stati spesso trascurati o non inseriti all'interno della storia dell'arte italiana. La mostra riconosce il loro contributo e recepisce l'interesse delle generazioni di artisti più giovani nel volersi confrontare con immaginari più ampi rispetto a quelli designati tradizionalmente dal sistema dell'arte. Linee di ricerca talvolta discontinue o riemerse a distanza di anni anche in modo inconsapevole e che arricchiscono la narrazione dell'arte del passato e fortificano la lettura di quella prodotta nel presente. La mostra diventa un'occasione unica per confrontarsi con gli immaginari di ciascun artista in maniera approfondita.

Il titolo FUORI! un invito a sporgersi, ad assumere una posizione eccentrica, fuori dal centro, e una postura inclinata, di mutua relazione con l'altro da sé. FUORI risponde alla necessità primaria di uscire dalle restrizioni fisiche e metaforiche imposte a tutti nei primi mesi del 2020. FUORI! è stato il nome della prima associazione per i diritti degli omosessuali, formatasi agli inizi degli anni Settanta e che con i gruppi femministi e transessuali ha portato avanti in Italia le rivendicazioni di diritti per una società più equa.

Tra il 2018 e il 2020, la missione statutaria della Quadriennale di Roma di mappare la situazione artistica del nostro Paese, fuori e dentro i confini nazionali, è stata realizzata grazie ai progetti Q-International (un sostegno agli artisti italiani che espongono all'estero) e Q-Rated (dedicato alla formazione di giovani artisti e curatori tra i 23 e i 35 anni). L'attività di promozione e scouting è stata affiancata da uno scavo profondo sulla storia dell'Istituzione, attraverso lo studio del suo archivio e del contesto storico in cui essa è nata alla fine degli anni Venti: la città di Roma, Il Palazzo dell'Esposizioni hanno fornito il punto di partenza per il progetto espositivo. L'archivio e il palazzo, veri e propri palinsesti delle storie espositive italiane, hanno permesso di elaborare una struttura che restituisse al pubblico la complessità della missione di un'istituzione dedicata all'arte nel XXI secolo.

Un allestimento ad hoc, pensato dall'architetto Alessandro Bava, ha articolato gli spazi della sede espositiva in modo da renderli una presenza più sfumata, esaltando al massimo il potere iconico delle opere. Il cantastorie e scrittore Luca Scarlini ha narrato in una serie di video tra le sale della mostra le storie emerse dall'archivio della Quadriennale, intrecciandole con le opere esposte. Una mostra nata da una conoscenza 'situata', ispirata dunque dal contesto istituzionale e geografico in cui si trova, la Quadriennale d'arte 2020 ha preso forma attraverso tre linee tematiche chiave per capire il mondo contemporaneo e riflettere sull'arte: il palazzo, il desiderio e l'incommensurabile.

Il palazzo

La metafora del palazzo è ispirata dallo stesso Palazzo delle Esposizioni, sede delle Quadriennali d'arte sin dalla prima edizione (1931). La storia delle mostre succedutesi in questa sede prestigiosa rivela un palinsesto di allestimenti che ha segnato alcuni momenti chiave del Paese e della sua storia artistica. Negli anni Settanta, con Pier Paolo Pasolini, il 'palazzo' è diventato poi metafora della politica e della sua classe dirigente. Inoltre, come ogni centro storico italiano testimonia, è nei palazzi che il mecenatismo ha commissionato e accumulato capolavori artistici. Da ultimo, il palazzo è il luogo delle feste, che da sempre hanno contribuito a sovvertire le narrazioni e l'ordinamento sociale. Tutte queste accezioni hanno mobilitato riflessioni sul display, sulla scelta dei temi emersi dai materiali d'archivio, fino alle opere di alcuni artisti invitati.

Il desiderio

Parafrasando il titolo di un saggio di Filiberto Menna, La linea analitica dell'arte moderna, si può sostenere che la linea del desiderio nell'arte contemporanea italiana è stata a lungo ignorata. Questa spinta verso l'espressione del proprio desiderio erotico è a viverlo o a rappresentarlo attraverso le proprie opere è invece uno dei principali elementi che contraddistinguono il lavoro di molti artisti. Analizzare le forme del desiderio significa confrontarsi con immaginari e campi di azione spesso ignorati dai critici e dagli storici dell'arte. Gli immaginari femminili, femministi e queer, in particolare, sono stati tra i più ignorati e mancati, anche dal mercato e dalle istituzioni. Il desiderio come ossessione focalizzata, nel caso dell'artista, alla necessità del 'fare', indipendentemente dal successo o dal riconoscimento che possa derivarne dal sistema artistico, è un'altra delle possibili tracce cui guarda questa linea di ricerca.

L'incommensurabile

La terza linea di ricerca si confronta con la messa al mondo di immaginari nuovi da parte di artisti che vogliono spingere chi fa esperienza dell'opera d'arte a immergersi in dimensioni parallele, dove si sovvertono logiche standardizzate e misurabili. La mostra diventa occasione per creare una tensione tra ciò che si vede, si sente e si prova e la possibilità di darne spiegazione a parole. L'incontro con l'arte è un evento inspiegabile, non riducibile a un aneddoto o a un evento storico narrabile, la parola manca ma i sensi consentono di capire e sentire quanto un'opera sta indicando. L'incommensurabile presenta una riflessione su tutto ciò che è oltre misura, oltre il razionale e ciò che può essere invece ridotto a parole.